NOTAS AL PROGRAMA

Para concluir este ciclo de conciertos, presentamos un recital donde se muestra la evolución de la música para clarinete y piano de esta época, la cual marcará definitivamente un antes y un después en la música de cámara con clarinete. El concierto comienza con una música limpia, sentimental y mediterránea, y cuenta entre sus autores con Joan Lamote de Grignon y Eduard Toldrá, el cual sentía gran admiración hacia Grignon. Para finalizar la primera parte, una obra romántica y ardua para el clarinete del compositor Julián Menéndez. La segunda parte se consolida como el paso a la futura generación del 51 y por lo tanto el “camino hacia una modernidad”, con un cambio de lenguaje y estructuras, pero siempre cercano al sentir mediterráneo. Finaliza así una muestra de la evolución de un excelente repertorio, que no se prodiga en las salas de concierto.

Aprovechando los grandes avances técnicos del clarinete a principios de siglo, autores y editores realizan diversas adaptaciones para el instrumento, lo cual era práctica habitual de aquella época. Así, tanto la Reverie “Schumaniana” de Grignon, escrita originalmente para violonchelo, como los Sonetos de Toldrá, para violín, son una muestra de esa adaptación, en este caso para clarinete, el cual sin complejo alguno extrae de ellas su más pura esencia.

La personalidad de Joan Lamote de Gringon ( Barcelona 1872- 1949) fue una de las más vigorosas con que ha contado la música catalana. Fundó la Orquesta Sinfónica de Barcelona y fue director del Conservatorio del Liceo. Al ser nombrado en 1909 director de la Banda Municipal de Barcelona, hizo de este conjunto un elemento de difusión musical de gran alcance, instrumentando modélicamente, para la que llamó “orquesta de instrumentos de viento”, más de un centenar de partituras del repertorio clásico, romántico y moderno. No es de extrañar que sus obras fueran igualmente adaptadas como ocurre con la que hoy presentamos en este concierto. Distinguido pedagogo y compositor, representó dentro del área del modernismo la tendencia más abierta y avanzada. Fue autor de varias obras sinfónicas de inspiración romántica y algunas de carácter andalucista, numerosas obras de orquesta, unos 150 lieders, motetes, cantos espirituales, sardanas y canciones populares. En el ámbito de la música de cámara destaca su acertado romanticismo.

La Reverie “Schumaniana” nos acerca a las veladas de la llamada “música de salón”, término que se utilizó en los Conservatorios hasta bien entrada la primera mitad del siglo XX, para referirse a la Música de Cámara “amable”. Su estructura formal es simple en forma de Lied, desarrollando un tema melancólico, que en ocasiones recuerda al “ Adagio y Allegro” op.70 de Robert Schumann, tanto en el carácter de la frase melódica como en la escritura pianística.

Toldrá (Vilanova i la Geltrú 1895-1962), es uno de los compositores más relevantes del Grupo Catalán, paralelo y coetáneo con el Grupo de Madrid, ambos relacionados y enmarcados en la “Generación del 27” cuya característica fundamental es el gusto por la poesía. Eminente violinista y fundador del Cuarteto Renacimiento, fue además un gran director y un interesante compositor, aún con una producción limitada de obras.

En 1922 compone “ Seis sonetos” para violín y piano, sobre versos de Trinitat Catases, Joseph Corner, Magín Morera, Joan Alcocer, Mosen Antoni Navarro y Joan Mª Guash. Cada página es una acuarela sonora que ilustra el Soneto. Los Sonetos son frescos, mediterráneos y llenos de un lirismo puro y brillante. El presente concierto incluye una adaptación de los sonetos “Ave María”, “Oració al maig”, “Soneti de la Rosada” y “ La font” para clarinete y piano, realizada nuevamente por J. Amaz y por el propio intérprete Francisco Antonio García. La versatilidad en el fraseo, riqueza de colores y flexibilidad del sonido del clarinete permiten abordar la siempre difícil tarea de la transcripción con absoluta brillantez. Se trata de música programática puesto que cada soneto está inspirado en un poema de diferente poeta catalán. El propio Toldrá proponía al oyente escuchar cada soneto mientras leía el poema.

Sin duda alguna la obra camerística más importante son los Seis Sonetos , premiados en 1922 en el tercer Concurso Patxot. El título es muy ilustrativo, ya que cada uno de ellos parte de un soneto poético al que la música "ilustra". El Sonetí de la rosada (rocío, escarcha) es un "sonetillo" en octosílabos de Trinitá Catasús que canta la ternura del amanecer. Oració al maig , de Josep Carmer, es una meditación expresiva, no sin cierto dramatismo. Ave Maria , de Joan Alcover, es un solemne cántico crepuscular. La font , de J.M. Guasch, es pieza más alegre y de ritmo popular, delicadamente descriptiva.

Julián Menéndez (Bilbao 1895- Madrid 1975), solista de la Orquesta Sinfónica Arbós y de la Banda Municipal de Madrid. Dedicó la mayor parte de su obra al clarinete, del cual era un excelente intérprete.

Utiliza un lenguaje neorromántico en sus composiciones, exigiendo al interprete el más alto nivel técnico por el virtuosismo presente en ellas.

Introducción, Andante y Danza es una de sus obras más interpretadas. Podría decirse que es un compendio técnico y expresivo de las posibilidades del clarinete: explora todos los registros en un ir y venir constante del grave al agudo, frecuentes modulaciones y riqueza tímbrica , rítmica y de articulación.

El titulo de la pieza alude a los tres principales cambios de “tempo” que se suceden: Introducción (Allegro)- Andante (Lento)- Danza (Allegro Moderato). Aparentemente podría parecernos que tiene forma sonata, pero en realidad es una fantasía sobre dos temas principales que van a ser expuestos con diferentes trajes, aunque en todo momento reconocibles y muy pegadizos al oído. Para enlazar el Andante con la Danza final, Menéndez introduce una cadencia en la cual el clarinete dibuja trinos y arabescos de forma virtuosística, apuntalados por acordes al piano en forma de recitativo.

La obra acaba con una vertiginosa “coda” rememorando los dos temas principales variados una vez más. El clarinete con arpegios en progresión y en constante “crescendo” contribuye al brillante y claro final, hacia el acorde triunfal de Mib mayor

Joan Guinjoan (Riudoms, 1931-), pianista, director y compositor catalán cuya obra se basa en la experimentación rítmica, tímbrica y dinámica. Su trabajo compositivo se sitúa una década más tarde del 51, sin embargo se incluye en esta generación por la fecha de nacimiento. Durante el inicio de su carrera fue un gran intérprete de piano, decantándose hacia la composición en torno a los años 60. En 1964 fundará el grupo instrumental cameristico “Diábulus in música” junto con algunas personalidades del mundo interpretativo catalán. Es un momento en el que la creación de estos grupos instrumentales facilitan al compositor la posibilidad de interpretar sus obras, ya que la vida musical española es parca en número de orquestas y formaciones camerísticas estables y apropiadas para los nuevos lenguajes compositivos.

La Fantasía para Clarinete y Piano (1964), una de sus primeras obras, es una pieza contrapuntística dividida en varias partes con cierto aire de improvisación y con frecuentes variaciones temáticas, rítmicas, de tiempo y de compás.Ya desde la introducción nos sumerge en el mundo fantasioso de la escala cromática, a través del piano, haciendo sonar el total de los 12 sonidos.

Las células motívicas elegidas serán reelaboradas y transformadas a lo largo de la pieza en un estilo imitativo, sin esquema fijo aparente. La 1ª célula aparece en los tresillos de la mano derecha del piano en la introducción y la 2ª en el clarinete, en forma de dos acordes arpegiados por terceras menores, armonizados por una armonía casi dodecafónica.

Guinjoan utiliza los recursos “clásicos” de aumentación, disminución e inversión para la transformación y desarrollo de las células motívicas, dentro de una textura armónica repleta de notas añadidas a formaciones de acordes por cuartas, séptimas y novenas, e incluso en algunas ocasiones aparecen clusters armonizados en diferentes voces como así sucede en el acorde final. Las estructuras acordales mixtas formadas por el movimiento cromático de las partes, impregnan la pieza de un colorido brillante, sirviendo éstas en no pocas ocasiones como germen en el nacimiento de la melodía horizontal.

Con un impulso arrollador, la obra converge hacía el final a través del estrecho en las entradas de las voces y el grito final del clarinete en “frullato” ahogado por el percusivo acorde del piano.

Xavier Montsalvatge (Gerona 1912–Barcelona 2002) discípulo, entre otros, del compositor Eduard Toldrá, quién le dirigió varias obras al frente de la Orquesta Municipal de Barcelona.

En un comentario de 1963, que recoge Enrique Franco en su biografía de Xavier Montsalvatge, el compositor gerundense dice de su evolución: “Hago lo posible por evolucionar, y aunque puedan decir lo contrario, estoy seguro de que no retrocedo, ya que si alguna vez miro hacia atrás, lo hago a conciencia” . La frase no es una respuesta a una provocación, sino la explicación de un eclecticismo que le sitúa con toda libertad frente a cada obra, como si estuviera al margen del pasado -del suyo- y del futuro. De ahí que en la música de Montsalvatge encontremos la presencia del nacionalismo catalán, del antillanismo, del neoclasicismo…

Self-Paráfrasis para Clarinete y Piano es un estudio preparatorio de la fuga libre utilizada en el Finale de su “Partita 1958” para orquesta, según palabras del propio autor. La obra esta escrita en un lenguaje cromático ricamente adornado con acordes de tonos enteros que sustentan el ritmo vivo y colorista de la obra. En la parte central “ Moderato”, el piano, con sus acordes policromados y en ascenso, crea una celestial atmósfera donde el clarinete dibuja esbozos melódicos del motivo principal. La reexposición de la fuga es realizada por el piano, y tras un breve divertimento, el clarinete y el piano al unísono convergen en una vertiginosa coda repleta de adornos, arpegios, trinos que nos conducen hacia el apoteósico acorde final.

Francisco A. García y Carmen Estéban

INTÉRPRETES

DÚO GARCÍA-ESTEBAN

FRANCISCO ANTONIO GARCÍA (CLARINETE)

Nace en Puçol (Valencia) donde empezó sus estudios musicales. Obtiene el Título Superior de Clarinete en el R.C.S. de Música de Madrid. Con posterioridad obtiene la titulación de Doctorado en Solista y Música de Cámara en el Conservatorium de Rotterdam (Holanda), con Walter Boykens . Se traslada a Londres donde realiza un postgraduado en el Royal College of London con Michel Collins y Colin Bradbury, siendo galardonado con el premio “Fanny Hughes”. Paralelamente se especializa en Clarinete Bajo con Stephen Trier.

Ha realizado cursos de interpretación con Jacques Lancelot, Karl Leister, Walter Boeykens, Anthony Pay, Thea King. Ha sido solista en la Orquesta Sinfónica “Ciudad de Valladolid ,en la Orquesta Sinfónica de Galicia y colaborado con la Orquesta de Cadaqués, Ciudad de Barcelona, Virtuosos de Moscú, Ciudad de Granada, Grupo Enigma-Orquesta del Auditorio de Zaragoza, trabajando bajo la dirección de Adam Natanek, Vladimir Spivakov, Philippe Entremont, Neville Mariner, Víctor Pablo Pérez e Ignacio Yepes entre otros. La crítica siempre ha destacado de él su gran musicalidad y maestría técnica.

Durante años ha impartido clases en el Curso Nacional de la Bañeza y en el Curso Internacional de Música “Martín Codax”. Es llamado habitualmente a impartir Master-Clases en diversos Centros Superiores y en la actualidad realiza una interesante labor pedagógica impartiendo diversos cursos sobre Repertorio Orquestal y Clarinete Bajo. Ha realizado numerosos recitales con grupos de cámara y como solista en España, Holanda e Inglaterra, así como varias grabaciones para Radio Nacional de España. Ha sido profesor de Clarinete en el Centro Superior de Estudios Musicales del País Vasco “MUSIKENE” y en la actualidad imparte la docencia en la Cátedra de Clarinete del Conservatorio Superior de Música de Aragón.

CARMEN ESTEBAN (PIANO)

Nace en Zaragoza donde realiza sus estudios musicales. Con posterioridad viaja a Madrid donde realiza sus estudios de perfeccionamiento con el pianista Pedro Espinosa de quien recibe los mejores consejos musicales. Se traslada al Conservatorio Superior Municipal de Barcelona donde trabaja la Música de Cámara con la profesora Liliana Maffiote.

Paralelamente asiste a diferentes cursos y clases de perfeccionamiento en España y Hungría, tanto de Piano como de Música de Cámara, recibiendo consejos de Ramón Coll, Roberto Bravo, Cecilio Tieles, Carles Guinovart, Adela Barranco, Violeta Hemzy de Gainza, Gonçal Comellas y Marçall Cervera, entre otros.

Participa habitualmente en diferentes agrupaciones camerísticas realizando conciertos en España, Holanda y Checoslovaquia. En 1989 fue finalista del Concurso de Juventudes Musicales de Música de Cámara. Ha realizado diversos cursos como pianista acompañante y grabaciones para Radio Nacional de España. Ha sido jurado en concursos de Música de cámara en Valencia y en el concurso “ Fernando Remacha” de Pamplona. Ha colaborado con el “Grupo Enigma-Orquesta del Auditorio de Zaragoza” en diversas temporadas.

Actualmente es profesora en la Cátedra de Música de Cámara en el Conservatorio Superior de Música de Aragón.